Edoardo Massa machte seinen Abschluss in Grafikdesign an der ISIA in Urbino und beschäftigt sich mit Illustration, Comics und Scribing. In den letzten sechs Jahren hat er als Schreiber mit dem Festival der Wissenschaft in Genua zusammengearbeitet. Er arbeitet in Theatern als Grafikmoderator, beispielsweise während der Tournee von Michela Murgia. Er arbeitet als Illustrator für das The Passenger Magazine von Iperborea. Seit kurzem lebt er in Bologna.

Eleonore Khuen-Belasi ist Dramatikerin, sowie Studentin der Philosophie. Sie wurde 2018 für das Hans-Gratzer-Stipendium am Schauspielhaus Wien nominiert. Mit ihrem ersten Stück „ruhig Blut“ wurde sie zu den Autorentheatertagen 2019 am Deutschen Theater Berlin eingeladen. Die Uraufführung fand am Deutschen Theater mit einer Produktion des Schauspielhauses Graz statt. Das Stück erschien in der Theateranthologie „Dramatische Rundschau 02“ beim S. Fischer Verlag. Ihr zweites Stück „Himmel und Hirn“ erschien im März 2021.
Sie erhielt verschiedene Arbeits- und Aufenthaltsstipendien u.a. vom Bundesministerium für Kunst/Kultur Österreich, dem Deutschen Literaturfonds, der Provinz Südtirol und dem Literarischen Colloquium Berlin. Zurzeit schreibt sie an ihrem dritten Stück und an ihrer Masterarbeit. Sie lebt und arbeitet in Wien.

Gülbin Ünlü lebt und arbeitet in München, wo sie an der Akademie der Bildenden Künste München bei Prof. Markus Oehlen Malerei studierte und 2018 ihr Diplom absolvierte, für das sie mit dem Preis der Erwin und Gisela von Steiner Stiftung ausgezeichnet wurde. Sie ist Teil der Künstlerkollektive T.A.G. und VKP und arbeitete als Komiteemitglied des Kunstraums Lothringer13 FLORIDA. Ünlü’s künstlerische Praxis zelebriert das Mash-up, was sich nicht zuletzt in ihrem interdisziplinären Ansatz zeigt, der künstlerische Kollaborationen, Foto- und Videoarbeiten, Installationen, Performances, Musik und Malerei umfasst. Seit 2016 hat Ünlü verschiedene Künstler:innenbücher und Musikalben veröffentlicht und ihre Arbeiten wurden u.a. 2020 in der Pinakothek der Moderne München ausgestellt.

Ingrid Hora ist eine visuelle Künstlerin, die 1976 in Bozen, Italien, geboren wurde und in Berlin lebt und arbeitet. In ihrer multidisziplinären künstlerischen Produktion, die von performativen Interventionen, Installation, Zeichnung bis hin zu Video und Fotografie reicht, inszeniert Hora Experimente, die sozio-politische Bedingungen in Frage stellen, Kollektivität herausfordern und die Art und Weise, wie demokratische Prozesse zustande kommen.

Oft ausgehend von sehr kontextspezifischen Kenntnissen, lokal verwurzelten Traditionen oder historischen Wendepunkten, entwickelt Ingrid Hora künstlerische Interventionen, die neue temporäre Netzwerke etablieren, indem sie kollektive Momente des Miteinanders schaffen.
Objekte, Zeichnungen oder skulpturale Elemente sind die Requisiten für kollektive performative Interventionen – oft im öffentlichen Raum inszeniert – die die Künstlerin durch eine Reihe von grundlegenden Anweisungen orchestriert.
Die Frage nach dem menschlichen Teil eines Kollektivs und seinem Eifer, außerhalb seines individuellen Bereichs zu agieren, und wie ein Kollektiv außerhalb seines gemeinsamen Kontextes agiert, wenn eine Reihe von Normen zusammenbricht, steht im Mittelpunkt vieler von Ingrid Horas Projekten. Der künstlerische Prozess selbst ist oft ein kollektiver Schöpfungsakt, in dem die Künstler*innen den Dialog mit anderen Disziplinen wie Tanz, Literatur oder Musik suchen.

Maxi Obexer, Theaterautorin und Schriftstellerin, lebt in Berlin. Studium der Vergleichenden Literaturwissenschaft, Philosophie und Theaterwissenschaft in Berlin. Für ihre Werke erhielt sie Preise und Stipendien, u.a. von der Akademie Schloss Solitude, der Akademie der Künste sowie den Eurodrampreis und den Robert Geisendörfer Preis für „Illegale Helfer“. Gastprofessuren am Dartmouth College, USA, an der Universität der Künste in Berlin, an der Georgetown University in Washington, DC. Sie lehrt regelmäßig am Deutschen Literaturinstitut in Leipzig. Sie gründete das Neue Institut für Dramatisches Schreiben, NIDS, und die Summer School Südtirol.

Rosalyn D’Mello (sie/ihr) ist eine feministische Autorin, Kunstkritikerin, Kolumnistin, Essayistin, Herausgeberin und Forscherin. Sie ist die Autorin von „A Handbook for My Lover“ (HarperCollins India – 2018). Sie schreibt eine wöchentliche feministische Kolumne für Mid-Day, eine vierzehntägige über zeitgenössische Kunst für STIR und trägt regelmäßig zu OPEN bei. Sie ist eine Ocean Fellowship Mentorin für 2021. Dank eines Forschungsstipendiums der India Foundation for the Arts arbeitet sie derzeit an einem Buch für Oxford University Press, das auf ihren Besuchen in südasiatischen Künstlerateliers basiert. Ihre freiberuflichen Texte wurden international veröffentlicht und in Anthologien aufgenommen. Sie wird von David Godwin Associates vertreten. Rosalyn ist in Mumbai aufgewachsen und hat fast ein Jahrzehnt in Delhi gelebt. Heute lebt sie in Südtirol, wo sie den strengen alpinen Wintern trotzt, indem sie ihre sinnlichen Erinnerungen an die Sonne Goas nutzt.

Senthuran Varatharajah, geboren 1984 in Jaffna, Sri Lanka. Studium der Philosophie und ev. Theologie in Marburg, Berlin und London. 2016 Veröffentlichung des mehrfach ausgezeichneten Debütromans. „Vor der Zunahme der Zeichen“ im S. Fischer Verlag. Varatharajahs zweiter Roman „Rot“ (Hunger) erscheint im Frühjahr 2022, ebenfalls bei S. Fischer.

Sophie Utikal (1987, USA) wurde im selben Jahr geboren, in dem Gloria E. Anzaldúa „Borderlands“ veröffentlichte. Seitdem hat sie an vielen Orten gelebt und schloss 2019 ihr Studium an der Akademie der bildenden Künste in Wien ab. Heute lebt und arbeitet sie in Berlin, Neukölln.

In ihren Arbeiten kombiniert Utikal Textilfragmente zu Selbstporträts in großformatigen Stoffbildern, bei denen der schwarze Faden sichtbar bleibt – eine generationenübergreifende Nähtechnik, die die Frauen ihrer Familie in Kolumbien anwenden. Ihre Verwendung von Textilien, die die Negativform ihres Körpers darstellen, kombiniert sie mit Anzaldúas Methode der Autohistorie. Tränen, Wasserfälle, Flüsse und Ozeane durchdringen ihre Körper, um Geschichten zu erzählen, die auf traumatischen, aber auch angenehmen Erfahrungen der Migration und Selbstermächtigung als farbige Frau in Deutschland basieren. Ausgehend von einer dekolonialen Perspektive widmet sie sich in ihren textilen Arbeiten Formen der Entfaltung körperlichen Wissens, die über Rationalität wie Fühlen, Wahrnehmen und Sein hinausgehen. Sie sucht ständig nach einem neuen Bewusstsein, das den Körper als Akteur in einen möglichen Heilungsprozess einbezieht.

Teresa Sdralevich, Grafikdesignerin, freischaffende Illustratorin und Autorin, lebt und arbeitet in Belgien. 1969 in Mailand geboren, zog sie nach ihrem Abschluss in Politikwissenschaften an der Universität Bologna 1994 nach Brüssel, wo sie kurzzeitig Kurse in Grafikdesign und Illustration besuchte. 2005 richtete sie in der belgischen Hauptstadt eine Siebdruckwerkstatt ein, die auch anderen Künstler:innen offen stand. Ihre Lieblingsthemen sind sozialer, politischer und kultureller Natur, die sie mit der Gestaltung von Plakaten, für die sie Texte und Bilder konzipiert, aufgreift.

Neben Verbänden und öffentlichen Institutionen arbeitet sie auch mit Verlagen und Zeitschriften zusammen. Sie leitet regelmäßig Workshops in Museen, Akademien und auf Festivals in ganz Europa und darüber hinaus. Ihr neuestes Buch, „Poster Power! Great Posters and How to Make Them“ (Cicada, 2017) ist in Italien bei Corraini erschienen.

Wissal Houbabi. Aktivistin, Künstlerin und Schriftstellerin. Assoziierter Expertin von „Razzismo Brutta Storia“. Mitbegründerin des Kunstkollektivs ZufZone aus Triest. Sie veröffentlichte das „Manifesto per l’antisessismo del rap italiano“ für EUT und eine Untersuchung über Hip-Hop- „Pimpologie“ für PalGrave MacMillan. Sie hat für VICE-Noisey, Jacobin und Agenzia X geschrieben und ist eine der Autorinnen von Future (effequ). Sie schreibt über Antirassismus, Feminismus, Hip-Hop und Identität.
Sie war Zweitplatzierte beim Alberto- Dubito- Nationalpreis für Lyrik mit Musik 2019. Wissal hat mit ihren Gedichten an nationalen Veranstaltungen und Festivals, Projekten mit IUAV, Cantieri Meticci und anderen teilgenommen. Sie hat ihre Zeichnungen und Arbeiten in Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt, unter anderem auf der Turiner Buchmesse, 2017.

Aldo Giannotti (*1977 in Genua, Italien) ist Künstler und lebt und arbeitet seit 2000 in Wien. Er studierte an der Accademia di Belle Arti di Carrara (Italien), der Academy of Fine Arts Wimbledon (England) und der Akademie der Bildenden Künste in München (Deutschland). Das Zeichnen nimmt in der künstlerischen Praxis von Aldo Giannotti zur Kommunikation von gesellschaftspolitischen Konzepten eine zentrale Rolle ein. Der Künstler ist ein scharfsinniger und kritischer Beobachter und für seine meist ortsspezifischen Werke bedient er sich verschiedenster Ausdrucksformen wie Zeichnung, Fotografie, Video, Installation und Performance.

Seine Arbeit wurde in Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt, wie z.B. zuletzt im MAMbo – Museo d’Arte Moderna in Bologna, Projektraum Viktor Bucher Wien, Kunstpavillon München, Mumok in Wien, Radvila Palace Museum of Art in Vilnius, Kunsthaus Graz, Albertina Wien, Galerija Škuc in Ljubljana, Taxis Palais Kunsthalle Tirol.

Kateřina Šedá (*1977 in Brno) ist Künstlerin und lebt und arbeitet in Brno. Sie studierte an der Academy of Fine Arts in Prag. Die Arbeit von Kateřina Šedá steht der sozialen Architektur nahe und ihr Interesse gilt Gemeinschaften und sozial konzipierten Ereignissen, an denen oft Dutzende oder Hunderte von Menschen beteiligt sind, die nichts mit Kunst zu tun haben. Die Veranstaltungen finden meist direkt in den Dörfern oder auf den Straßen der Städte statt. Das Experimentieren mit zwischenmenschlichen Beziehungen hat zum Ziel, die Beteiligten von ihren Stereotypen oder ihrer sozialen Isolation zu befreien. Die Arbeiten der Künstlerin sprechen vom Zugehörigkeitsgefühl und der Verantwortung gegenüber der Gemeinschaft und hinterfragen kritisch das Konzept „Heimat“.
Ihre Projekte entwickelte sie aktuell im Artpark Buffalo Niagara in den USA, im Milton Keynes Art Centre in England und für Kunst und Bau in Zürich. Weitere Projekte zeigte die Künstlerin im LIAF in Norwegen, im IHME in Helsinki, in der Architekturbiennale in Venedig und im MMOMA in Moskau.

Stefanie Sargnagel (*1986 in Wien) ist freie Autorin und Cartoonistin. Sie studierte an der Akademie der Bildenden Künste in Wien. Von 2009 bis 2012 publizierte sie das Fanzine “Extrem deprimierende Zines”. Ab 2013 erschienen ihre Bücher: “Binge Living” (2013), “Fitness” (2015), “In der Zukunft sind wir alle tot” (2016), “Statusmeldungen” (2017) und “Dicht” (2020). Sie zeichnet regelmäßig Cartoons für den Falter, die Frankfurter Allgemeine Quarterly, den Augustin und die WIENERIN. Ihre Reportagen erscheinen im Bayerischen Rundfunk, in der ZEIT, im VICE und in der Süddeutschen Zeitung. 2016 gewannt sie den Publikumspreis beim Ingeborg Bachmann Preis, 2017 den Sonderpreis des österreichischen Kabarettpreises und 2019 den Förderpreis des Sondermann-Preises für komische Kunst. Sie ist Mitglied der Autorinnengruppe Wiener Grippe und der Burschenschaft Hysteria.